成都跨年大展“美术馆之眼”第二季开幕

成都市美术馆元旦跨年大展

成都画院古建闭馆保护维修后首展

2020年12月30日，在寒潮来袭的成都，在下同仁路80号修缮一新的院子里拉开帷幕，给寒冷的冬天带来一股艺术暖流。

此次展览被提名邀请的成都市域二十五家美术馆，各自有着不同的艺术定位与学术方向，被各美术馆提名的艺术家，他们的作品也展示出四川艺术生态发展的多元、包容和丰富。

希冀本次展览将成都乃至四川更多的美术馆汇集在一起，扩大美术馆地图，碰撞出更多的艺术灵光。

现将各美术馆对提名艺术家的推荐词整理如下，以学术文本探讨更深层次的艺术主题。

四川美术馆推荐艺术家：尹莉莉

毕业于云南师范大学艺术学院的尹莉莉，擅长中国画，创作多以线描为主，对中国画的造型、水墨运用以及书法的理解较为全面且富有深度。读研期间，尹莉莉因专业创作突出被委培选送到南京艺术学院培养，毕业后多次参加全国性美术展览并获奖，是四川美术馆青年画家中比较突出的一位。

近年来，尹莉莉一直致力于少数民族人物画研究，其科班的造型功底和自小打下的书法基础，使她的作品独具特色。“线”作为绘画的主要造形手段之一，非对象本身所有，是艺术家“物我交融”主客观统一的产物。优秀的线条，不仅凝聚了艺术家从观察物象到表现物象的审美情趣，更是对物象生命精神的艺术体现。当我们面对一幅好的中国画作品就会发现，“线”迹本身就充满栩栩的生命力，是提炼了、浓缩了、抽象了、升华了的生命符号，每一笔都充盈着独立的审美价值，其蕴含的生命力暗合所描绘对象的生命精神，是筋脉贯通、生动鲜活的艺术感召力。而对于艺术家而言，艺术个性的成就也正是从感性升华至理性再到“非理性直觉”的自我构建过程。

四川美术馆

尹莉莉

翠影蕉歌 / 纸本设色 / 180x97cm / 2018

成都画院（成都市美术馆）推荐艺术家：刘海涛

刘海涛的作品一直很有秩序感，这种秩序感或多或少建立在对自然原有秩序的颠覆之中。这正是刘海涛与自然世界的相处之道，宋代诗人陈著说“山川无言岂有意，阴与造物昌吾诗。”或许好的创作者都暗含了这颗重构之心，无论诗人还是画家。刘海涛对秩序的构建，就来自这种以“我”观照自然，以“我”写照自然的企图。

刘海涛其实是很善于讲故事的，但对于好的艺术家而言，情绪的传递不只有一种途径。他的这批新作，完全放弃了讲述的逻辑，而专注于情绪氛围的营造，也正是这种放弃，给了观者更多的阅读空间。这批新作品，把常见之事用新体验敞露于世人面前，将外象提炼和简化为能触动人心灵的视觉语言，仿佛一个闭合的世界，任凭直觉去感悟、体味并化出观者的评判。他是一个摆渡人，以开放的绘画语言赋予了作品诸多可能，为观者提供了开放性的解读途径。我看他的这批作品，孤独时读到了孤独的共鸣，酣畅时读到了酣畅的雄心，宁静时读到了宁静的舒逸，当真是如长在观众心间的一方丘园，可以应观众心上的晴雨生长出不同的情绪。这或许就是刘海涛的高明之处，通过静稳牢坚的独特画境，涌动出这种独有的精神力。刘海涛的学艺经历虽然复杂，但主要是由工笔入写意，他对技法和材料的掌握非常娴熟，这也进一步促使了他的这种选择。在这个前人累积的绘画技术越来越丰富的时代，画面上的加法容易做，减法却很难。。刘海涛的这批作品为我们提供一种选择——由对山川的建华摆渡入内心的契机。

成都画院·成都市美术馆　曹筝琪娜

刘海涛

希望的田野 / 纸本设色 / 233x193cm / 2019

四川中国书画美术馆推荐艺术家：薛磊

画家薛磊的骨子里明显地散发出一种独特的精神气质。

他崇尚中国传统文化，血脉清透，情感细腻。他所解读的人文精神之“道”，融于洒脱豪迈的山水画作品中，诠释出胸臆真实的清幽回荡，情感浓烈却又不轻易浅露于外。他的作品，通过笔力雄劲、意境阔大、云涛晓雾的挥洒，还有某种难以述说的苍凉， 因而有着独到的艺术魅力。读薛磊的作品，你的内心会很快安静下来，在那些气势雄浑、笔墨洒脱、设色典雅的作品中，完全可以读出画家薛磊诗意起伏的内心，并在弥漫的山无数、烟万缕、萋萋芳草、隐隐残霞、浑厚空阔的高远意境中，体会出一个中国画家饱满生动的人文情怀。

这次提名展薛磊的两件作品《峨眉三苏》 《苏洵峨眉独钓图》是人文笔墨的典型代表：松涛石板上，诸位古人的静谧对视或独自空对山色溪流的恬淡。而这样的清幽与孤寂，或许，正是薛磊心灵深处的期待与向往。

四川中国书画美术馆

薛磊

峨眉三苏 / 纸本设色 / 245x200cm / 2020

蓝顶美术馆推荐艺术家：王阔阔

蓝顶美术馆自2009年成立以来一直致力于推动中国当代艺术的展示、推广、交流，青年艺术家的推介一直也是我们正在进行的主要工作之一。蓝顶有一批年轻的艺术家，自院校毕业后就栖居在蓝顶，刻苦的钻研，默默地创作，不为外界所扰，沉浸式的苦行僧似的耕耘着，王阔阔就是其中之一。

观看王阔阔的作品，总是有种复杂的情感充溢其中——一种严谨的秩序感和不能受控的面目表情所构成的错乱和复杂，让人欲罢不能，而因为这些表情来自于动物而更添一份神秘感。人类和动物同属“有情”，但是由于所谓的“级别”而愈趋愈远，凌驾之，伤害之，更甚至在很多时候完全是对立状态以致不能共存。艺术家对此十分敏感，又将这种敏感通过细微的绘画语言加以表达，为我们呈现规则世界里自由的灵性。也许此刻我们看到的是画面中的动物，试想人类不也是画中之物吗？

蓝顶美术馆

王阔阔

Origin·Temperament No.3 本·性 / 综合材料 / 100×100cm / 2020

麓湖·A4美术馆推荐艺术家：东妮尔

东妮尔作为一位以身体出发进行创作的艺术家，从小接受了严格的传统舞训练。同时受到大量的人文学科，尤其是民族志、戏剧和哲学的滋养。

她以舞蹈、剧场、表演、新兴和已使用的技术、纺织物和文本等做为实践材料。目前，她正在研究如何将编舞与她多维的经验进行结合通过技术和视觉艺术从而扩大编舞艺术的概念。如何使看不见的东西可见——我们可以感知的复杂性，但表面上却很难表达和分享的。探索这个以科技为中心的时代，作为人意味着什么？以及在环境中作为人类意味着什么？

麓湖·A4美术馆

东妮尔|NiNi Dongnier

在另一个绿色世界 / 13'32'' / 2020

IN ANOTHER GREEN WORLD / 13'32'' / 2020

麓山美术馆推荐艺术家：郝建涛

郝建涛的作品中反复出现的鹤、松树、竹子、牡丹、水图、山石等图像，这些不仅是中国传统绘画的经典主题，而且它们都被援引自艺术史上经典的艺术作品。这很容易调动观众的视觉经验，让人产生与中国传统绘画的关联性想象。不过，他并不是一种单纯的临摹，而是通过对图像的微妙处理，并使之与一种新的元素相遇于画面。所谓新的元素即是明显异于他所援引的中国传统绘画主题的图像和形式。这些元素被拼贴或以不同的方式组织在画面上，从而使人产生了一种既熟悉又陌生的异样感。由于历史的原因，我们容易在具有传统元素的作品中做出具有二元关系的思考和判断，诸如新与旧、传统与当代、东方与西方等。郝建涛组织不同图像和形式的关系，但他模糊了一般的二元性的关系。他的实践从根本上是以个体的视角拆解了当代视角下的“传统”，并将其叠加到了当代的视觉文化中。

麓山美术馆　田萌

郝建涛

托体同山No.33 / 布面 手工色粉 丙烯媒介 /80×130cm / 2018

成都当代影像馆推荐艺术家：张晓

张晓早期的作品很多都是来源于地域线索的宏大叙事项目，他以快拍式的摄影风格，记录日常场景中的人和事。影像中的超现实感捕捉了现代中国社会因急剧发展所导致的荒诞局面。比如《他们》，《海岸线》，都是以时代背景作为切入点去讲述整个中国的社会现实和人的个体状态之间的微妙关系。之后几年张晓的作品发生了一些变化，他把工作重心转移到自己的家乡，完成了《移》，《大姐》，《甜蜜的爱恋》等作品，并以此去关注一些跟他自身经历有关的特定区域和特定人群。通过这些作品更加深入的去挖掘中国乡村社会的复杂性在更多维度上的投射，并展开了对摄影以外媒介的创造性运用。

成都当代影像馆

张晓

落选The Declined / 艺术微 Pigment print / 148×222cm / 2018

何多苓美术馆推荐艺术家：朱可染

绘画不是哲学和观念的插图，首先应该是一种关于人的精神痕迹的表达，是从心灵里生长出来的结晶。朱可染的绘画呈现了点、线、面的半抽象因素，因为她的绘画去掉了世俗图像的色彩，水与云的黑白处理使画面变得更单纯，在时间和空间的层层叠加中，工作是缓慢的显影，由此产生这样一种错觉： 近看是笔触与线条，远看是古代山水画。2020年疫情期间的长时间隔离会让我们每个人变得恐惧，甚至抑郁，此刻面对绘画有心理治疗的意义，有一种修复的功能，绘画能让我们安神，绘画成为了镇静剂，绘画是一种聆听…… 绘画的高级之处还在于无法言说的部分，模糊性与神秘性，也许这是绘画最迷人的地方。在朱可染这里西方极简主义与东方美学的“空寂”相遇，它们也是诗与禅的相遇。

何多苓美术馆

朱可染

水何澹澹—7 / 布面综合材料 / 200x70cm / 2020

文轩美术馆推荐艺术家：李建勋

文轩美术馆自建馆始，将逾十年，在推广当代艺术，尤其是本土青年艺术家做了大量的积累。从最早设立“四川美术学院奖学金”到“文轩·新像”三期展览的集中呈现，再到“青年艺术家发现计划”一期、二期、三期……

2019年，美术馆经过系统的学术梳理，最终把“空·欢”主题李建勋个展带给观众。展览持续了将近一个月，盛况空前。这也是在“青年艺术家发现计划”以来，最燃的展览爆点。

建勋是四川安岳人。所获殊荣尤多，毕业之后也一直坚守在教学的第一线。

建勋在画面中描绘的都是常俗风物，不管是石膏几何体块，或是东西方经典绘画图示，亦或只是常见的现实景象的一瞥，都是他关注的重点。与其他的艺术家不同，他刻意避开宏大的历史叙事题材，附身而就，以自我经历为参照，以修行的心态时刻关照内心，为细微之物讴歌。画面里刻绘的皆是俗物，亦是本土文化带给他的精神烙印，但他通过自己独有的绘画语言，变俗为美，完成了通俗美在当代社会审美层次的升华，画面空灵，气质清雅，满含清气，这种美更高级。建勋的作品形式是多变的，水彩、丙烯、油画、装置，但这种多变却统一在自我的风格之中，寻求作品在多维度的突破，亦是当代艺术创作者的诉求。建勋的作品是去繁就简的，不管是技法谱系或是形式内容，他都以自身的审美体系，用自己的方式在无限可能中向极简靠近。一如他装置作品中用到的一根钢针轻触纸面般极致而富含能量……

建勋，难能可贵……

文轩美术馆

李建勛

澈夜 / 布面油画 / 60x60cm / 2020

许燎源现代设计艺术博物馆推荐艺术家：木头

平面设计作品是当代媒体宣传的重要内容，也是品牌形象打造的核心环节。许燎源博物馆多年来优质的对外内容皆是源自于木头之手，其设计风格将抽象艺术与潮流文化巧妙结合，既彰显博物馆艺术特色，也给予大众传媒闪光点。木头通过自身超前的设计思维，针对不同的品牌调性，为许多知名企业的产品提供了极具特色的包装设计。

木头的创作范围包括但不限于架上艺术、公共雕塑、城市建筑、工业设计……先后参加多场大型艺术展览，也在太古里金融汇开启个展。艺术创作的多维度让他对展览设计独具看法，博物馆每年的大型展览都有木头参与主策划以及展陈设计，2019许燎源博物馆首届双年展，木头担任执行团队总负责人，为大众带来了一场多元丰富的视觉剧场。

《熊猫乎乎》是木头在绘画中探索出的系列作品，“乎乎”的形象憨态却又颇具艺术性，木头结合当下许多高话题场景进行“乎乎”创作，使其具有天生的亲切性，受到众多观者的喜爱，所衍生出的文创产品一经上架迅速售空。

陈亦苇

木头

乎乎-1# / 布面油画 / 120x120cm / 2014

域上和美艺术馆推荐艺术家：罗玉其

就像对待梵·高，我们无法将罗玉其的作品与其人生分而治之，因为他的创作就是其生活本身。他的希望、他的失落，他所经历的折磨与煎熬，他的疼痛与欢乐、苦闷与慰藉，全部因艺术而起，也向艺术寻觅归处。如果我们在他的画面中感应到触电般的震颤，那是因为在他的心与手之间，早已通上了电流。这是生命的电流，也是艺术的本源。依靠这种本源，绘画获得了永生；也依靠这种本源，罗玉其的作品获得了感人至深的力量。

域上和美艺术馆

罗玉其

葵 / 布面油画 / 200x130cm / 2019

时代美术馆推荐艺术家：刘利斌

刘利斌，一位活跃在西南当代艺术领域的异乡人。在刘利斌的绘画中，创作时的秩序是他一直所遵循的。偶遇命题，收集资料，取样整合，逻辑排序，实施作品，依据“暗逻辑”牵引来推进与实施，直至作品的完成。透过《英文书写》这一系列的作品便可以深切的感受这一秩序，艺术家一遍又一遍地将英文短句按照四个方向以充满仪式感的方式重叠、覆盖，以制造出当进入与面对自己并不熟悉的一套系统时艺术家内心的无序感。这样的表达方式，让我想起Cy Tombly。他们刻意制造的无序都是人文内心的回音，是内部的情绪的发作。有时，这些情绪非常直白，或忧郁或舒畅；而有的情绪带有繁复。从他在展览中的《霓虹》系列，似乎也可以察觉出对于他对于平衡的斟酌与偏好——此时的平衡不仅是视觉上，也是个体经历与绘画探索的考量：他总在一开始给自己限定规则，又试图去颠覆，使得这种规则在创作过程中无效化。当夜幕降临重庆这座城市时，霓虹灯带给他的立体幻觉，这一经历又形成了他一独特的视觉语汇，画面中布满尺寸相等的半透明圆形，不同颜色的圆彼此相互重叠透露出的多层次的颜色，也许表达的就是他当时纷扰的心境。此种实践，仿佛安哲在《雾中风景》中描绘的一直在寻找那个不在场的父亲的孩子一样茫然、混沌，对于刘利斌来说，也许“绘画”或者“画家”并不是他的标签，根据他的”心境“做出更多的实验，也许才是他最终的归宿。

时代美术馆

刘利斌

20190002 / 宣纸水墨 / 45×45cm / 2019

红美术馆推荐艺术家：李凯兵

李凯兵，1985年生于湖南汨罗，2009年毕业于中国美术学院油画系第一工作室。

2016年因机缘巧合，机构启动了艺术新人扶持计划，合作推出了李凯兵个展《远逝的青春》，得到了大家的一致认可。一直以来，机构见证了李凯兵绘画的成长。

在凯兵进来的创作中，我们看到了他更大的格局，关于人的存在、终极关怀的思考。在技术化的时代,对人的主体性和本真的探寻成为人类的迫切需求,人的存在与生存也是人文学家们关注的重要话题。

海德格尔曾提出“人应当在大地上诗意地栖居”, 他以诗意来对抗技术世界对人的吞噬和异化,将解救人类的希望寄托于诗和艺术。 “诗意地栖居”引自荷尔德林的诗句“充满劳绩，但人诗意地居住在此大地上”。在海德格尔看来，“诗意地栖居”是与“技术地栖居”相对而言的，技术使人们的野心、欲望不断膨胀，万物成为人们不断征服和掠夺的对象，在技术性栖居中，人与自然的关系遭到无情的破坏、践踏。而诗意地栖居意味着与诸神共在，接近万物的本质，它不仅仅是一种浪漫诗化的栖居，更是一种与技术性栖居艰难抗争的本真栖居。在海德格尔那里，诗作为一种本真生存的标志重新恢复了它应当具有的沉重，这意味着诗中有一种全然不同于技术的眼光与态度。人的本质不应是自然万物的征服者而是看护者，人的本质不是生存于 世界而是栖居于大地。

在凯兵的绘画中，我们看到了这样诗意的乌托邦，在这里没有技术的对抗，更多的是一种美好。窗前的风景如此色彩斑斓，充满生机；黑暗的屋檐角落亮起了温暖人心的黄色的灯光，这一切，鼓舞人心，给人力量，凯兵的诗更是如此！

在当下的环境中，我们需要这样的艺术家，也需要有如此胸襟的艺术，传递更多的美好的能量！

红美术馆

李凯兵

窗内景 / 布面油画 / 90×60cm / 2020

四川福宝美术馆推荐艺术家：郭玉川

“当代艺术”的绘画形式层出不穷，而鲜见有线描的表现。以钢笔及其相关硬笔作为线描工具时，便很难企及传统线描的虚实和气韵的表现力。然而当代的硬笔线描却具有自身的优势和长处，那就是更趋于理性、纯粹、干净和装饰性的形式美感的表现。玉川先生的线描作品则正好在这个问题上找到了表达的形式路径，给予了线描“当代化”的诠释。

郭玉川先生的线描作品如剥茧抽丝、纺纱织锦般理性严谨，极具装饰性；整体的布局构成深谙气韵之道虚实之法，如下班后的一杯清茶，没有浮躁，没有负担。线随心动，造型自如，疏密有度，娓娓道来，于空白处见旷达，于缜密中见华美，于每一线条上见功力、见心思。

近年来，郭玉川先生的作品几乎囊括了“中国钢笔画展览”的金奖、银奖，成为国内钢笔画界独树一帜、独领风骚的领军人物，且毫无炒作之虞、作秀之嫌，靠的都是扎实的功底和一笔一线的努力。

福宝美术馆

郭玉川

玉颖轻漾夜未央 / 铜版纸·针管笔 / 101x78cm / 2019

诗婢家美术馆推荐艺术家：赵夜白

赵夜白生于“多慷慨悲歌之士”的燕赵地，而客居成都已十年有

余矣，从最初怀揣对大千居士艺术的向往与追慕，到成为大风堂第二代传人，广播艺种于蜀中，声名已誉海内。他习琴，制茶、鉴定、讲学以全面的文人修养熏习自己的艺术作品，他那纤尘不染，始终如一的赤子之心，写诗、作画、交游，亦仙亦佛地与这红尘世界若即若离。

其雅号已经明志，他家住浣花溪畔清江之上，效民国文人黄稚荃邻居杜甫草堂因号“杜邻”而自颜其居曰“清邻”。一个清字，颇能作逸气绝尘、遗世独立之想。而事实也如此，“清邻公子”是入世的为花（画）多情，“清邻居士”是出世的虔诚佛心。是当今少有的古士人风度于世，因此他的作品气质泥古为新，与古为徒，深入纵出于古典之內。

诗婢家美术馆

赵夜白

菩萨像 / 纸本设色 / 138x68cm / 2018

大观美术馆推荐艺术家：田亮

田亮对于艺术形式和内容的建构非常清晰，从西方到东方，从传统到现代，无论何种题材，展现在观众面前的永远是一幅夺人眼球但又耐人寻味的画面。

在田亮的作品中线条、色块、墨韵、空间狂放地结合，而作品的所指和终极目标是把观众引向作者真实的内心，富有激情与感染力的画面昭示作者的心理世界并不平静。那么，深处作者心中的理想又来源于何处呢？很多人认为田亮早年在大凉山的生活经历赋予了他原始的冲动，令他的思想充满了野性。然而，真正使田亮感悟生命之伟大的则是他作为基督徒的思想源泉。“上帝说，要有光，于是世上有了光”，超验的引导在田亮的创作思想中占有重要地位，基督教哲学对真理的探寻与田亮在作品中展现的真实“自我”存在异曲同工之感，田亮作品中的终极指向便是让他心中那一抹真实的光照亮每一位读画的观众。

《鸿门宴》是“游园惊梦”系列的作品之一，是田亮对历史题材的审视和再现。作者通过逸笔草草的线条和“纠缠”的画面将他们通通转换成自己的思考，以具有象征意义的人物和情节设置表现当下社会形态和历史的对照。与其说田亮是在表现历史题材，不如说他是通过历史反思和表现真实的自己。

大观美术馆

田亮

《鸿门宴》-游园惊梦系列 / 布面油画 / 200×200cm / 2012-2019

大观美术馆推荐艺术家：赵子韬

长年的专业熏陶，赵子韬养成了扎实的造型功底、灵敏的手感和高度的美学悟性。作为伴随着中国全球化进程而成长起来的一代人，赵子韬对商品化景观和消费主义浪潮并不陌生，可是在创作上，他始终与热火朝天的现实景象保持距离。他对潮流中的图像和所谓符号表征通通视而不见，而独自沉迷于诗人的天地，尽管这个天地已经被时代所放逐。他习惯于寻觅日常的边角，钩沉世人的冷落，从被忽视的生活细节中发现诗意。他的作品表现了在一定距离之外看到的生活。哪怕是忧郁、烦恼和孤独，经过这一段距离，也散发出无言的魅力。凭着虚化的笔触、幻变的色彩和截断式的构图，赵子韬心中的距离感被应之于手。他善于将色彩对比抑制在透明的灰色调中，令其可见而不再有其固有的清晰，随之，画中的情景也减弱了它们原有的硬度；即便是沸腾的喜悦和锐利的创痛，也化作了烟雨，成为迷朦时分才偶尔浮现的回眸。

吴永强

赵子韬

落叶-秋 / 布面油画 / 161×130cm / 2019

浓园天艺美术馆推荐艺术家：庄子

世有画花之者，或中或西，中者或工或写，西者或古典或抽象，然皆是欲得花之美而发乎纸也！

画者，汲于自然，蕴乎学养而跃然笔墨者也！画花者，其有匠与艺矣，匠者求形，艺者求神。艺者观其形色变化，究其物理伦序，取其合吾心之态，然后忘其形而绘其意，得乎其神也！

庄子，居于蓉，长于阿坝，学成于川大，布教于川也！其以“花间集”油画作品闻名巴蜀。花间集之素材以其所情钟阿坝独有之花草为材料，以油画笔触向表现，具象出具有个人语言的宁静之美。此组作品虽为西画，然因其个人学养，备纳中西，使其兼有中国画工笔之细腻和写意之神韵，又将古典和抽象功夫用中国画的思考方式自然融合也！观之者见乎中西，得乎宁静思绪矣！

是乎！画者，有其养也！何以养之，脚下之地、生乎之乡、梦寐之想也！作画人，求于艺者，非乎此，则得乎下，是乎此，则得其上，庄子，诚乎心，而得其道也！

浓园天艺美术馆

庄子

花间集-问红 / 布面油画 / 直径120cm / 2020

富森美术馆推荐艺术家：张霜

张霜是一位拥有大灵魂的艺术家。对弥漫于当下的、与时代共感的负面和创伤情绪有着人之少有的敏锐和洞察。在绘画创作初期创作出“大眼女孩”这一经典语符，纯真而诡异，甜蜜却哀伤，成为每一个深受时代进程之苦的人的心灵镜像。

2008年到2011年之间，张霜的创作态度从激烈走向和缓，“大眼女孩”通过眼睛展露出本质为“空”的情绪内涵，唤起挣扎过后意欲与自我和解的人的共鸣。

2016年之后，毅然抛弃“大眼女孩”这一语符，让“大眼女孩”连同人物一起从她的创作中离场，在环境和自然中寻找新的情绪表达元素。至此，灵魂经历过迷梦缥缈之期，触角伸向现实，她的表达方式更温和，对世界的认知却更深刻。

不惧于表现阴郁，勇于表达时代对情感的异化，坚持在价值动荡每一个时代切面中追问情绪的真相，是张霜之所以坚持“私人叙事”却能拥有大灵魂的真正根源。

富森美术馆关注当代新锐艺术家的成长，寻找有态度，有温度，有对当下世界与自我认知间掌控表达尺度的艺术新青年，拉近艺术与大众的距离，让艺术走进生活。

富森美术馆

张霜

密林 / 纸本综合 / 直径76cm / 2015

四川浙商美术馆推荐艺术家：马勇

当你在面对一幅画作时，就是你的直觉在对画家内心深层的寻访，你所得到的不管是喜悦或感伤，都会超出绘画的本身。因为一幅发自内心的创作，是画家思想的长久沉淀。这是我在观赏马勇画作时的一种莫名感受。他将一种古老的表述形式作的如此的清新。没骨画法--作为中国绘画形态的一种,早在晋唐时期便已经形成了.而且从今天我们看到的实物,可以明确已经相当的成熟了.在今天的敦煌洞窟中就有大量这种表现手法.单幅的《秋苑鹿鸣》（唐代）更有其代表性。只是到了宋代，理学的展开和文人画的风行，对这种以色彩为主的表现形式被一种单纯的文化理念所遗弃。慢慢的走向了颓势。至元明之季，便很难看到这样的画作了。原因是这种有一些匠人倾向的画风，没法进入到文人画的范畴。当这种画法渐渐被遗忘的时候，清代一个画家恽寿平却剑出偏锋，创作了大量的没骨画。既继承了唐以前的画法，又没有那样的富丽色彩。以一种淡雅的面目出现。画中那些蕴籍的韵味，些许还透漏出了文人画的作风。其实，恽寿平原本是一个正统的文人画山水画家。在清代初年，四王、吴、恽是画坛的领袖人物。当恽寿平放弃对山水画的创作，而画出大量这样的没骨画时，引起了画坛的振动。学习的人也日趋多矣。因而給当时的画界带来了一股清雅的新风……

马勇便是研习这种画法来描述自己生活中的直观感受的一个画家。然而马勇在研习之中渐渐的将这一形式与宋元的水墨情节相契合。画出了一种自己艺术表现的语境。一片绿叶、一朵闲花、一块怪石、一只小虫、没有氛围的烘托，没有环境的呼应，没有色彩的修饰，只有淡淡的墨，在清雅中韵动，单纯的画面中充满了生趣。这是因为马勇好玩，对自己所喜欢玩的物，都会从学习直到有自己的见解。所以他所描绘的对象都是他悉知，便自然会在物理、物态、物情都有很好的把握，画起来也游刃有余，严谨中留有自由空间。如我们今天看到的作品一样，他将十分具象的物放在一个大的空间中。让虚与实相互动，于简约中去感受，这便是马勇的画，这便是马勇，他并不在乎他眼中的空间中应该有什么，而是在乎他心中的空间是应该没有什么……

因此，我在观赏马勇的画作时，其中渗出的气息将眼前的景物化作水与墨的流动，竟如一片淡淡的云雾，在思维中慢慢的聚散，时而形在其中，时而意在其中……

叶瑞琨

马勇

山榴 / 纸本水墨 / 100x54cm / 2020

四川大学美术馆推荐艺术家：汤亚

汤亚的作品在冷静中带有一种对艺术的直觉以及潜藏在作品背后对于艺术的狂热。“模式”一直是他创作中的核心主题，这一主题并非一开始就有的，而是经过长期的实验，慢慢提炼和转化形成的。汤亚一直对抽象的符号和作为材料的物充满兴趣，他在自身的工作系统中以不断的实验状态持续形成抽象图像。汤亚认为这些图像（如果可以称之为图像）他更愿意称之为具体的视觉现实。汤亚基于对制作和实验的执着与热爱，让他的工作状态像一台不知疲倦的机器，这使得他在心理上彷佛回到了文艺复兴作坊的辛劳感，以简单无名的个体按照自己所画的小稿来创作想象已久的作品。自2014年始汤亚一直系统地推进他在艺术上的研究，这些研究看似有着类似于数学分析式的冷静，而这种冷静又与人的内在情感相关联。汤亚的近作在模式符号的表象之下以冷静的方式直击最为深处的情感，并传递出更为深邃的思维特征。

四川大学美术馆

汤亚

终止发散-6 / 布面综合材料 / 111x111cm / 2020

高小华美术馆推荐艺术家：王延晖

王延晖的这两幅作品中不见往日作品中的田园与都市的符号，而是以光与雪为主体，试图用传统笔墨呈现出当代人的视觉感受和审美。《午后阳光》中阳光穿过密林，是生活中常见的瞬间，这瞬间的刺眼的阳光感与笔墨的交错成一种意象，既不是虚境也不是实境，而是当下的心与物的交融闪现。在《高原初雪》中并没有画雪，也没有一笔白色，而是以干涩的笔墨将高原山中既湿润又寒重的感受呈现出来，独立的一棵松柏与对面山上的丛林形成了鲜明的对比，犹如喧闹都市中站着一个孤独的人。两幅作品虽没有人物形象但却将人的视觉感受用笔墨表达于纸上，这何尝不是都市人用自然反观内心感受的写照，城市人通过各种方式去亲近自然，但从来都是过客，自然都是眼中的一幕幕镜头和留存于心中的短暂瞬间。

高小华美术馆

王延晖

秋日红枫 / 纸本水墨 / 38cmx46cm / 2019

中国·东盟艺术学院美术馆推荐艺术家：杨波

杨波教授1998年毕业于四川美术学院装饰艺术专业，中国-东盟艺术学院美术与设计学院（原成都大学美术学院）任教至今。专攻综合材料绘画、漆画方向。多年以来，作品不断，成果不菲，获奖颇多。并于2019年获得国家艺术基金项目，其漆画、漆艺的研究水平在国内已达到一定的学术高度。

漆画是中国最古老的艺术形式之一，杨波教授的漆画作品具有绘画和工艺的双重性，作品中潜藏有其独特的美学品格与认知。他把来自大漆的植物特性、耐磨性，建构在以大漆为主要媒介材料的绘画艺术基础之上。用长期探索而得来的漆语言，一丝不苟的作好漆画文章。他长期对国内已知的十种漆画流派加以分析，吸收不同漆画工艺的特色，了解传统艺术与当代艺术的表现方式，丰富自己漆画创作的艺术内涵。而在工艺方面，杨波教授在借鉴西南地区、闽东地区传统漆画技法的基础上，溶进脱胎漆器的制作技法，将"画"和"磨"有机地结合起来，使制作出来的漆画作品具有色调明朗、深沉，立体感强，平滑光亮的审美特点。

中国-东盟艺术学院美术馆特此推荐杨波教授及其作品，以期弘扬中华传统文化，鼓励艺术创新，展示学院艺术探索能力和相关的学术水平。

中国-东盟艺术学院美术馆

杨波

域-2 / 大漆木板 / 120x150cm / 2020

四川音乐学院美术馆推荐艺术家：韩易非

韩易非是一位非常勤奋和善于思考的年轻艺术家。近些年他的创作屡次获得佳绩，不管是连续参加“新物种”跨媒介学术邀请展，还是入选全国美展实验艺术单元。他对媒介和装置有着极为敏锐的洞察和把控，往往善于亲手制作精细化的机械装置来完成作品，这使得他的思想可以很好的体现出来，也使得他的作品有着特别的气质和质感。

魏言

韩易非

不确定的交流 / 视频装置 / 1'50'' / 2020

武侯祠美术馆推荐艺术家：诸焕庆

诸焕庆先生的笔下，大凡花鸟草虫、走兽、山水、人物无一不精，件件传神，质朴中透露出清新的艺术风格。诸先生说，他吸收的东西比较杂，包括马王堆汉墓中的漆器，汉画像砖中折趣符号等，总之，他不想过早的“靠岸”和“结壳”（风格），所以这也是他作品画得较慢的原因之一。从诸先生的众多作品中，可以看出其风格充满多变性，透露出不断探索前行的意味。由于诸先生从事近三十年的古玩鉴赏工作，所以艺术创作更加不受市场或是其他因素的限制，更多的是通过艺术品的形式呈现出他对生活情趣和阅历的表达。诸先生说水墨画也有其表现局限性的一面，必须触类旁通，所以诸先生的艺术创作不仅仅是中国画，并涉足在雕塑、版画、插图、书籍装帧等不同艺术领域里呈现佳作所具有的大美术观。从此次提名参展的两件艺术品中不难感受到，诸先生的笔墨有传统的意趣，同时也传达了对中国画现代艺术的追求，深深得益于经典样式而又善于出新，他的作品能够直接感动人心，善从构图美、墨色美、气韵美、意境美等多维审美意识表现美的主题，完善了其内在的神情的表达。

武侯祠美术馆

诸焕庆

行旅图 / 纸本设色 / 90×21cm / 2020

成都杜甫草堂诗书画院美术馆推荐艺术家：冷柏青

传承与创新是艺术发展的永恒主题。每一位艺术家都在探索个性化的创新之路，然创新的灵感往往来自不同知识背景、文化传统、地域资源、审美趣味的交流碰撞。冷柏青正是中国改革开放之后成长起来的书家，在他身上，可以看到书法展览、出版、教育、交流给当代书坛带来的深刻影响。

冷柏青的学术思考与书法创作是紧密结合的。他喜欢早期艺术、民间艺术，这类作品大多不以技巧雕琢取胜，而胜在道德上的纯真与质朴，为现代社会的人们提供了新鲜的跨越历史的审美体验。他的作品天真烂漫又狂放不羁，用“大、奇、野”三字来概括最为贴切。“大”是从气象上说。他的书法笔力强健，格局开张，点画舒展，字的中宫放开，强调线条伸展运行的感觉；“奇”是从形态上说。字形的收放往往出人意料，大小、粗细、正斜、长短完全由作者书写时刹那间的感觉来控制，似无章法，细察之却无杂乱之象；“野”是从气质上说。他在作品中表露出来的是一种来自民间的气质－－质朴、烂漫、粗枝大叶、不受拘束，有时甚至还有一点出格。尤其是他在字形结构上有造险、破险的意识，险中求正，奇趣横生，能够吸引观者去一件件品读他的作品，这与那种千篇一律的乏味之作简直有天壤之别。

杜甫草堂博物馆

冷柏青

行书徐霞客游记四条屏 / 书法 / 178x48cm×4 / 2019

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